sábado, 22 de septiembre de 2018

ENTREVISTA CON MARTIN KNYE (MAD DOG)



(Reportaje y fotos por Martín Gasa)

Rage Reviews: Martín, muchas gracias por tomarte el tiempo para contestar estas preguntas. Vamos un poco a tus comienzos previos a ser guitarrista. ¿Qué música escuchabas de chico/adolescente y cual fue el móvil para que te decidieras a tocar la guitarra eléctrica? 

Martín Knye: Empecé muy chico a escuchar música, desde que tengo memoria en realidad. En mi casa se escuchaba música, mi vieja escuchaba música clásica y mi viejo escuchaba tango, pero la parte rockera viene de mi hermano. Tengo una hermana y un hermano bastante más grandes que yo, 13 y 15 años más respectivamente, y mi hermano tenia discos de Deep Purple, Pink Floyd, Black Sabbath y Pappo's Blues entre otros y recuerdo claramente que los escuchaba en mi casa y por ende yo también. Recuerdo particularmente los discos "Machine Head" de Purple, "Vol. 4" de Black Sabbath, "Vol. 3" de Pappo's Blues y un disco de Pink Floyd que no recuerdo el nombre pero me acuerdo que tenía una vaca en la tapa (N: Martín se refiere a “Atom Heart Mother”). Y de todos esos discos me acuerdo mucho de un par de temas que me gustaban especificamente, "Highway Star" de Deep Purple, "Sucio y Desprolijo" de Pappo's Blues. Yo no tenía ni 10 años todavía, calculo que estamos hablando del año 1976 o '77 de modo que realmente el rock ha estado en mi vida desde que tengo memoria. Pienso que esas cosas después influyen mucho en la vida de un músico, me acuerdo que el solo de guitarra de “Highway Star” me erizaba la piel y que el ritmo del tema me enloquecía. Al igual que el del tema de Pappo que nombré antes y otro que en esa época era sencillamente increíble, permiso, me voy a poner de pie, estoy hablando de "Stratocaster Boogie" una obra maestra de la guitarra eléctrica de esta o cualquier otra época, que creo que aclara porque Pappo es quien es: o sea, un Grande. Ese posiblemente sea el primer recuerdo claro que tengo del rock y las guitarras eléctricas, el siguiente grupo que me impresionó y terminó de volcarme definitivamente en la música fue KISS, en el año 1979 cuando tuvieron un éxito imparable en todo el mundo con "I Was Made For Loving You" del disco "Dynasty" de ese mismo año. Yo estaba en sexto grado y tenía doce años, de ese momento en adelante creo que mi vida cambió para siempre. Mis ídolos futbolistas de esa época fueron cambiados por músicos y ganas de tocar algún instrumento, quería tocar la batería y me había armado una con baldes en la terraza de mi casa con la cual volvía locos a todos los vecinos y demás personas que tuvieran la desgracia de estar en las cercanías. La verdad es que la batería era un instrumento caro de adquirir de modo que como mi hermano tenía una guitarra española dando vueltas por ahí. De a poco empecé a agarrarla y ver que podía hacer con ella. Ese fue mi primer contacto con la guitarra. A los 14 años tuve mi primera guitarra eléctrica y de ahí en más no recuerdo haber hecho otra cosa que no sea tocar la guitarra. Comencé a sacar temas de oído de KISS, Riff, AC/DC, Black Sabbath, Deep Purple, etc… 

RR: ¿Cómo era en aquellos años para un músico tan joven y en formación con vos lidiar con la falta de equipamiento adecuado y la economía que los que tenemos más de cuarenta llegamos a vivir durante la década del ochenta? ¿Tan difícil era equiparse decentemente como muchos mencionaron? 

MK: Buena pregunta. Y si, la realidad es que era así .En los ochentas era muy difícil acceder a equipamiento de calidad profesional. Ver un Marshall en vivo y en directo era más o menos lo mismo que ver un plato volador y acá solo músicos con muchos años de trayectoria como Pappo, Ricardo Soule o Hector Starc por ejemplo tenían Marshall, Fender, Gibson etc. Yo tuve mi primera guitarra eléctrica en el año 1982 a los 14 años, una Kuc Les Paul y un amplificador Alarsonik, todo nacional por supuesto. Tocaba con lo que había o podía conseguir. El amplificador era de 25 watts y tenía tres controles: Volumen, graves y agudos, nada más. Toqué con eso un tiempo hasta que un amigo de la secundaria que también tocaba me prestó un pedal de distorsión típico de los setentas, un pedal ruso que se llamaba "Big Muff". El día que me lo llevo al colegio, lo primero que hice cuando llegue a mi casa fue conectarlo al amplificador con mi guitarra, lo pisé para prenderlo y ese sonido distorsionado me voló la cabeza: era el sonido del metal, del rock, del blues, era EL sonido de viola. Me acuerdo que me pase toda la tarde tocando riffs de AC/DC, Kiss, Riff etc. Unos años más tarde, en 1984 me pude comprar una viola un poco mejor, una Faim Stratocaster que si bien no era un instrumento súper pro, era mucho mejor que la Kuc y en 1985 le compre a un amigo un amplificador de 25 watts marca "Kustom" que fue mi primer pieza de equipamiento importado y era mucho mejor que el Alarsonik. Para cuando estaba terminando Quinto Año de la secundaria en 1985 ya estaba muy volcado a la música y la guitarra y sabía que me iba a dedicar de lleno en cuanto terminara el colegio, así que había empezado a ahorrar para comprarme un amplificador más grande. En 1986 armé LZ2 y me compre un cabezal de 100 watts valvular "Boogie" con su respectivo bafle. Estos equipos los fabricaba acá en Argentina en Lomas del Mirador Norberto Galvano, "El Loco Boogie", eran los mismos equipos que usaba V8 en sus inicios y el loco Norberto había sido sonidista de V8 también. Y si bien no era barato porque era un amplificador grande y potente no se acercaba ni de casualidad a los precios exorbitantes que tenía un Marshall que por otro lado en ese momento era absolutamente inalcanzable para mí además de casi imposible de conseguir acá en Argentina. Después me compre un pedal de distorsión Boss "Heavy Metal" típico de los ochentas y fue mi única otra adquisición importada durante muchos años. Con la Faim Stratocaster, el equipo Boogie y el pedal heavy metal Boss toque prácticamente los tres años que duró LZ2 y grabé el disco "El Fuego Sagrado" hasta que en 1989 entre en Kamikaze. Cuando entré en Kamikaze empecé a usar Marshall. Enrique Gómez Yafal había comprado un Marshall JCM 800 de 100 watts para la banda y cuando me uní a la banda lo empecé a usar yo. Roberto Cosseddu, el bajista que estaba en ese entonces, me compró una Fender Stratocaster año 1979 y yo se la fui pagando de a poco. De ahí en más comencé a tener acceso a equipamiento más profesional, de mejor calidad y de a poco me pude ir comprando cosas que después vendí para comprar otras y así sucesivamente a lo largo de los años. Tuve muchas Fender Stratocasters, de hecho toque únicamente con Stratos hasta el año 2013 cuando empecé a usar Les Pauls con KZ4!, que irónicamente fue el primer modelo de guitarra que tuve. Y prácticamente siempre toque con amplificadores Marshall, distintos modelos de cabezales valvulares de 50 y 100 watts. Hoy por hoy con Mad Dog uso dos cabezales Marshall, un JCM 800 de 50 watts y un JCM 2000 de 100 watts, y tengo dos Gibson Les Paul una standard 2001 una studio 1993 y 2 Epiphones Les Paul muy buenas también. Tengo algunos pedales de overdrive que también uso en vivo y eso es todo. En la actualidad con los tiempos económicamente tan difíciles que se están viviendo, me hace recordar un poco a los que pasaba en los ochentas, lamentablemente el precio de los equipos y guitarras importadas se ha vuelto sideral, delirante por momentos y hay una vuelta a lo nacional con la diferencia que las guitarras, amplificadores y pedales nacionales son mil veces mejor y con más variedad que la que había en los ochentas. Hoy por hoy se pueden comprar equipos, pedales y guitarras nacionales de excelente categoría y quizás con el tiempo algunas de estas marcas nacionales se puedan ir estableciendo de manera definitiva como una buena opción para los músicos. ¡Ojalá así sea! 

RR: Recién fuiste mencionando un poco todas las bandas por las que pasaste como guitarrista. Focalicémonos en tus comienzos. ¿Antes de formar LZ2 tuviste alguna experiencia con otra banda?. ¿Cómo se dio el proceso de encontrar a tus otros compañeros de LZ2 en donde hablamos de una época que no era tan fácil contactar otro músico de heavy metal y que primeros pasos dieron como banda profesional? 

MK: Tuve una pequeña experiencia en segundo año de secundaria en 1982, con una banda que armó un compañero de mi curso. El tocaba algo de guitarra clásica y cantaba unos temas re hippies, eran un espanto... y yo encima a esa edad era un fundamentalista total del heavy metal (RISAS). Se iba a hacer una especie de acto de no se qué garompa en el colegio donde iban a tocar varios alumnos de todos los cursos y este pibe iba a participar tocando dos o tres temas de él. Y en lugar de tocar él solo con su guitarra quería presentarse con una banda. Tenía un baterista amigo y me pidió a mí y a otro compañero del colegio que tocaba el piano que tocáramos con él. Ensayamos los dos temas de él y se los llené de solos de viola y acordes distorsionados (RISAS), y en el ensayo así de la nada surgió una zapada que termino siendo un pequeño tema instrumental con la viola punteando a full. Tocamos los dos temas de él primero y cuando tocamos la zapada instrumental la gente explotó. Fue lo más cercano a un tema de rock que sonó ese día. Como una nota de color te puedo comentar que en ese mismo acto también tocaron Juanchi Baleirón quien años después fuera guitarrista de Los Pericos y Diego Frenkel quien años después formara La Portuaria, entre otros grupos. Ellos iban al mismo colegio y eran más grandes que yo, ya estaban en Quinto año y yo en Segundo. Yo cursé la secundaria en el Colegio Nacional de Vicente Lopez, un colegio bastante quilombero y del que salieron unos cuantos músicos. Otro músico que también fue ahí y es amigo mío - tenemos la misma edad - es Sebastian Sitnisky, baterista de Confederados, una banda de rock sureño excelente. Después de ese acto tocamos en un par de eventos pedorros más y luego se terminó. Ni siquiera recuerdo si la banda tuvo nombre en algún momento. Después de eso me dediqué a tocar y aprender lo más que podía y empecé a desarrollarme muy rápido. Para cuando estaba en Quinto Año ya tocaba muy bien para la edad que tenía y empecé a pensar en armar una banda de verdad. Cuando termine la secundaria ya tenía algunos temas propios y comencé a buscar un cantante. Puse un aviso en la revista Segunda Mano (NOTA: Revista de los ochentas para avisos clasificados de todo tipo… recuerden que no había Internet…) que en esa época se usaba mucho para buscar gente para tocar, tenía un rubro de compra/venta de instrumentos musicales usados y ahí también aparecían músicos buscados y ofrecidos. Publiqué un aviso ahí buscando cantante onda Dio/Rising Force y en general que tuviera la onda del heavy metal. Unos días después me llamo por teléfono respondiendo al aviso Germán Salvatierra, que vivía en San Fernando y era cercano a mi casa. Nos juntamos a charlar y así formamos LZ2 entre los dos, él en las voces y yo en la guitarra. Terminamos de armar algunos temas juntos y pusimos un nuevo aviso buscando bajista y baterista. En los primeros tiempos pasaron un par de bateros y un par de bajistas que duraban semanas o como máximo un par de meses y después había que volver a buscar otros, hasta que finalmente a mediados de 1986 aparecieron juntos Fernando Adamo y Pablo Mingione, baterista y bajista respectivamente, que ya se conocían de antes y LZ2 tuvo su primera formación estable .Con esa formación debutamos en septiembre de 1986 en el auditorio del colegio Don Bosco de San Isidro, que es un auditorio importante donde en su momento habían tocado entre otros Vox Dei. Fernando Adamo, el baterista, iba a ese colegio, todavía estaba en Quinto Año y se organizó un show con varias bandas y de ese modo conseguimos tocar ahí nuestro primer show. Tocamos cuatro temas. Después de ese show empezamos a recorrer el circuito de la escena del heavy metal de la segunda mitad de los ochentas - mayormente pubs chicos a medianos - como Caras mas Caras, Cotorras, Gracias Nena, Montana, el primer Halley de la calle Maipú y varios más. No eran lugares grandes pero la escena estaba caliente y siempre había bastante gente en los shows. El metal era un estilo muy grande en todo el mundo y había mucha gente que quería escuchar y ver bandas del palo. La banda cambio de alineación varias veces a lo largo de esos años pero los que siempre estuvimos fuimos Germán y yo. En 1987 grabamos nuestro primer demo con dos temas, en 1988 grabamos un segundo demo con tres temas y finalmente en 1989 grabamos el disco "El Fuego Sagrado". A mediados de 1989 yo entré en Kamikaze y LZ2 se separó definitivamente. 

RR: ¿Qué recuerdos tenés de tu paso por Kamikaze, que era uno de los grandes referentes metálicos locales de mediados de los ochentas?. ¿Cómo te contactaron?. Y de tu experiencia con LZ2 ¿Qué cosas positivas y negativas considerás que te dejo tu primera banda como músico profesional? 

MK: Mi paso por Kamikaze se inició a mediados de 1989, yo todavía estaba en LZ2, habíamos presentado el disco "El fuego Sagrado" en el teatro Arlequines con gran repercusión y la primer tirada de cassettes se había vendido íntegramente en muy poco tiempo. Toda la etapa de LZ2 que abarcó desde 1986 a mediados de 1989 fue una etapa única e irrepetible, porque, para empezar, solo tenía 18 años y a esa edad todo es nuevo y muy intenso y mucho más si estás en una banda de rock, así que todo era muy salvaje y divertido. Además es hacer las primeras experiencias como músico profesional en todo aspecto, desde formar una banda, mantenerla y llevarla adelante, tocar en vivo, grabar en estudio, hacer prensa, tener tus primeros fans, firmar los primeros autógrafos, tener tu primer reconocimiento como músico, todo es nuevo y excitante y sos virgen para todo eso así que todo es una aventura y un descubrimiento. Los tres años y medio que duró LZ2 con los cuarenta y pico de shows que hicimos durante ese tiempo más la grabación de 2 demos y un disco, me dejaron un gran aprendizaje y una gran experiencia en todo aspecto con la particularidad de haber vivido todo eso a una muy temprana edad, entre los 18 y los 21 años. Además de todo eso, me dejo un amigo y un hermano de la vida como Germán Salvatierra que fue el único otro miembro de la banda que estuvo desde el principio hasta el final, y con quien al día de hoy sigo en contacto, a pesar de que vive en España hace años ya. La historia con Kamikaze comienza cuando un día me llama por teléfono Enrique Yafal, a quien yo ya conocía desde antes. Kamikaze había presentado su primer disco "No me detendrán" en Palladium en diciembre de 1988 y como último tema hicieron "Stars" el tema de Dio/Campbell que grabaron los músicos de heavy metal para la campaña contra el hambre en África, y para tocar ese tema habían invitado varios músicos de la escena local, entre ellos, Walter Meza y Horacio Pinasco de Delay, Mario Ian de Alakrán, Tito García de Lethal, Lucho Passeri y Sergio Moscatelli de 2112, Julito Morano de WC, Daniel Telis de Mordaz y yo. Iba a estar también Osvaldo Civile pero al final no vino. Hicimos ese tema y de ahí ya quedó el contacto con la banda. Un par de meses después se incorporó a la banda Daniel Tellis y quedó como quinteto a dos violas junto a Miguel Oropeza. Para mediados del 89 recibí esta llamada y vinieron a casa Enrique, Daniel y Roberto Cosseddu, el bajista, y me comentaron que Miguel Oropeza se había ido de la banda y me ofrecieron entrar a mí. Me tomó muy por sorpresa y les pedí un día para contestarles, lo pensé y finalmente decidí aceptar la propuesta para lo cual lógicamente tuve que disolver LZ2, que fue una decisión difícil de tomar ya que la banda venia pisando fuerte, pero la propuesta de una banda como Kamikaze que en ese momento era la banda más grande del metal Argentino, con un contrato de grabación por 2 discos más y una agencia de producción y representantes era difícil de rechazar. Yo era muy chico, tenía apenas 21 años, aunque ya tenía una carrera hecha de tres años como músico profesional y era bastante conocido, y la oferta de entrar a una banda más grande, con músicos más grandes y experimentados que yo fue muy tentadora, así que finalmente acepte la oferta. Apenas entre a la banda salió la aprobación del sello BMG (antiguamente RCA) para grabar el segundo disco fue tan de improviso e inesperado esto que me tuve que aprender los ocho temas que ya tenían compuestos para el disco en un solo día. Me dieron un demo con los ocho temas, me volví a mi casa, me senté con la viola, me saque todos los temas y al otro día fui a ensayar con ellos los ocho temas. En esa época yo prácticamente vivía con la guitarra en la mano, la viola era como una extensión de mi cuerpo y a pesar de ser muy joven ya tenía una considerable experiencia profesional, de modo que sacar los ocho temas de un día para el otro no me costó tanto. Fue más difícil memorizarlos que tocarlos en sí mismo. La cuestión es que tres días después de eso ya estábamos en el estudio grabando los temas de lo que sería el segundo disco de la banda "Victima Del Rock" que salió a fines de 1989. Mi debut con Kamikaze se produjo en diciembre del ese en Halley - el Halley de Avenida Corrientes - que era enorme y recuerdo que esa noche estaba hasta la jeta de gente, lleno. En los siguientes 2 años vinieron giras por el interior, presentaciones en la TV, presentaciones en conciertos grandes como "Halley en Obras" en septiembre del 90 y "Metal en Acción" en el gimnasio cubierto de la cancha de Vélez en noviembre del 90 también la grabación del 3er disco "Kamikaze III" en 1991, cambios de alineación, entraron el Paton Cimino (ex JAF) en batería y Horacio Pinasco (ex Delay) en bajo y más shows y giras. Fue llegar un peldaño más arriba profesionalmente. Algo así como empezar a jugar en “Primera A” y aprendí mucho de todos mis compañeros de banda. Fue también una época donde el alcohol, la droga y el sexo estaban siempre disponibles y al alcance de la mano. Y si bien no todo es un cuento de hadas nada lo es en realidad. No tengo experiencias realmente negativas en ninguna de esas dos etapas, fueron lo que tenían que ser, como tenían que ser y cuando tenían que ser, y las viví al máximo. 



RR: ¿Cómo prosiguieron tus cosas luego de que Kamikaze decidiera separarse? 

MK: Kamikaze se separó a mediados de 1992 y durante los siguientes años me volqué mucho a seguir estudiando y mejorando como guitarrista. Fue un momento de un gran desarrollo y evolución como músico y como instrumentista. Me interese mucho más por otros estilos en la guitarra que en realidad siempre me habían interesado pero no había tenido el tiempo para explorarlos. Profundicé mis conocimientos de blues y empecé a interesarme más por estilos como el Jazz/Fusión y en 1994 comencé a estudiar flamenco. Ese estilo me atrapo por completo. Durante los siguientes dos años me dedique casi de lleno a estudiar flamenco, comencé por mi cuenta y cuando tuve una base técnica y algo de conocimiento sobre el estilo busque un profesor, y estudie con él un tiempo. Un guitarrista español llamado Manolo Yglesias, con el aprendí un montón y mucho más en profundidad un estilo de guitarra que es apasionante, y en mi opinión, posiblemente el estilo de guitarra más difícil de tocar de todos. Entre 1995 armé una banda que se llamó Kristine con la que tocamos hasta 1997. Entre 1998 y mediados de 1999 arme un dúo de guitarras con Federico Pereyra, un ex alumno que tocaba muy bien con el que nos presentamos en vivo varias veces tocando temas de John Mc Laughlin, Al Di Meola y Paco de Lucia más algún que otro tango y alguna que otra pieza clásica. Fue una experiencia muy interesante y muy distinta a lo que había hecho durante años que me hizo crecer mucho como guitarrista y músico. Hasta que a mediados de 1999 empecé a extrañar demasiado el sonido del Marshall y la viola distorsionada y la furia del metal y armé Magiar. De todos esos años tengo grabaciones, demos caseros de porta estudio con toda clase de temas, mayormente instrumentales y de estilos diferentes, que en el 2003 edité de manera independiente en un CD que se llama "Imágenes Demos1988/1998 Vol 1" en una tirada casera de CDs, y un "Vol.2" que no llegué a editar. Es mayormente material casero grabado precariamente y de baja calidad sonora pero buenas interpretaciones.

RR: ¿Y de estilos que no sean heavy metal y música flamenco por ejemplo tenés algún grupo no tradicional que hayas escuchado y te haya aportado algo como guitarrista?. ¿Cómo viviste el cambio que se dio a partir del 2000 en cuanto a Internet, tecnología, no sólo a nivel personal sino como músico?

MK
Tengo muchos grupos/artistas que no son del palo metal que me aportan, no solo como guitarrista sino como músico en gral. Te puedo dar algunos ejemplos, pero son solo unos pocos entre muchos.  Joe Pass es un guitarrista importantísimo de jazz que escucho siempre, guitarristas/músicos de fusión como Frank Gambale, Allan Holdsworth o Chick Corea, bluseros como BB King, Stevie Ray Vaughan, o Joe Bonamassa,  hay una banda formada por 3 guitarristas virtuosos de country que se llaman Hellecasters, etc. , hay muchos ejemplos, en general sacando la música electrónica o la cumbia, que son dos estilos que no soporto, escucho de todo. El tema de la tecnología es como todo, es un arma de doble filo, depende de cómo y para qué lo usas puede ser útil, como puede ser perjudicial, ya que hay tanta información que puede resultar confusa e inmanejable.  Nadie puede procesar todo la información disponible que hay en Internet con respecto a prácticamente cualquier asunto o tema que estés investigando o estudiando. Si sabés lo que estas buscando y conoces lo suficiente del tema en cuestión como para filtrar toda la información falsa, errónea, confusa o al pedo que vas a encontrar, entones si esta bueno porque podes ir al grano y encontrar lo que querés, pero si no sabes hacer eso podes terminar enterrado en un mar infinito de data inútil que no te conduce a ningún lado. Por otra parte la tecnología ha contribuido y facilitado la colaboración entre músicos de distintos lugares del mundo y ha facilitado enormemente también  las grabaciones profesionales de audio. Hoy te podes grabar un disco en tu casa. También tiene su lado negativo con la capacidad de edición que genera la nueva tecnología hoy por hoy por ejemplo ya que podés hacer una grabación o una toma de un solo de guitarra que jamás tocaste, lo armaste de a pedazos hasta que quedó bien. Eso antes no existía, o tocabas bien o te volvías a tu casa a seguir practicando y volvé cuando te salga bien.

RR: En los estilos que no te gustan mencionaste dos que se caracterizan para mí por su total falta de musicalidad. ¿Por qué creés que hoy en día la gente se vuelca tan masivamente a estos estilos?. ¿Ves una merma de chicos que quieren agarrar una guitarra eléctrica y estudiar sea el estilo que sea, vos que tenés mucha experiencia en enseñanza?. ¿Cómo ves el futuro, el rock tiene posibilidad de tener nuevamente algo de más trascendencia o se mantendrá en un segundo plano? 

MK: Esa clase de "estilos musicales" siempre existieron y siempre fueron populares. Suelen ser utilizados únicamente para bailar o pasar el rato y la gente no los elige como música "para escuchar" o prestar atención o disfrutar, simplemente se los ponen en las pistas de baile de los boliches y se mueven como autómatas. Eso es todo, así funcionan esos estilos de música, no tienen absolutamente ninguna clase de contenido. La guitarra eléctrica va a seguir siendo un instrumento popular, quizás no estemos en un pico de popularidad como puede haber tenido a principios de los 70's o en los 80's, pero tampoco es que este en vías de extinción ni mucho menos, sigue habiendo y siempre va a haber mucha gente en el mundo agarrando una guitarra y tratando de aprender a tocarla. A esta altura es un instrumento eterno y no va a desaparecer, es un instrumento clásico como un piano o un violín y va a trascender las fronteras del tiempo sin ninguna duda. El rock también es un estilo que esta más allá de las modas y va a seguir sobreviviendo a través de los años, quizás tenga períodos de mayor popularidad y períodos de menor popularidad como ya ha pasada en más de una ocasión pero jamás va a desaparecer, a esta altura es un estilo clásico, es un bastión cultural como el blues o el jazz o el flamenco, son estilos que van a sobrevivir al tiempo más allá de que puedan tener periodos de moda o mayor popularidad que otros pero ya no van a morir jamás. Bandas como Deep Purple, Led Zeppelin, Black Sabbath, AC/DC, ya están más allá de las modas o las idas y vueltas y aun cuando dejen de existir su música va a seguir trascendiendo los tiempos, es eterna. 

RR: ¿Y en MAD DOG apuntás justamente a un sonido más clásico y tradicional?. Contanos lo que desees de tu actual banda, los ví en vivo una vez y me dieron esa impresión: nada de sonidos modernos (Risas) 

MK: (Más risas) Si, tal cual. MAD DOG es una banda de un sonido muy tradicional sin duda, está concebida de ese modo desde el vamos y es una banda de rock duro, brutal, pesado y muy al grano. El foco esta en los riffs y las canciones, la idea es que ya la primera vez que escuchas los temas te enganchen, eso es algo obviamente muy difícil de lograr pero en general la banda en vivo logra esa clase de efecto en el público que no nos vio nunca y eso es una buena señal. Quiere decir que los temas están buenos y que la banda suena bien. Los temas están armados y concebidos para tener un impacto inmediato y hacerte mover. Si no te movés con la música de MAD DOG estás muerto, la banda es una aplanadora en vivo. A mí el metal "moderno" y todo eso no me gusta ni un poquito, tengo cincuenta años y crecí escuchando esta música desde los nueve o diez años de edad y soy de la generación exacta que creció con esta música. Tengo bastante claro de que se trata esta cultura (Enfatiza). Las influencias de MAD DOG son bandas tradicionales del género como Black Sabbath, AC/DC, RIFF entre otras tantas pero siempre dentro de esa línea de hard rock y metal tradicional. Tenemos un EP con 3 temas grabados en 2016 que están subidos a las redes sociales oficiales de la banda y la idea es grabar este año el primer CD. 



RR: Martín nuevamente te agradezco tu tiempo para el reportaje. Que planes hay a futuro con MAD DOG? Y una que siempre uso al final... tus diez discos favoritos de todos los tiempos sean del estilo que sean. Y lo que desees agregar para quienes lean este reportaje... 

MK: Antes de fin de este año empezaremos a grabar unos siete u ocho temas más para lo que será la edición de nuestro primer CD y ya veremos después en qué plataformas y formatos pondremos el disco al alcance del público. Por otro lado seguimos con las presentaciones en vivo, venimos de tocar en Los Polvorines y ahora en octubre nos estaremos presentando el 6 en Sin City (CABA), el 13 en el quinceavo Moto encuentro nacional e internacional de Rosario del Tala en Entre Ríos y el 20 vamos a presentarnos en Circus (San Justo) invitados por los amigos de Cabrero que esa noche presentan su primer disco. La pregunta de los diez discos es interesante y muchas veces me la he hecho a mí mismo para saber cuáles han tenido un impacto importante en mi vida como para estar en esa reducida lista y teniendo en cuenta la cantidad exorbitante de música que he escuchado en mi vida no es nada fácil de armar. Pero hare mi mejor intento, acá van y sin ningún orden específico, ya es bastante jodido seleccionar 10 como para encima darles un orden (Risas) 

BACK IN BLACK AC/DC 
VAN HALEN I Van Halen 
MACHINE HEAD Deep Purple 
HEAVEN AND HELL Black Sabbath 
ALIVE! Kiss 
EN ACCION Riff 
LUCHANDO POR EL METAL V8 
RISING FORCE Yngwie Malmsteen 
THE NUMBER OF THE BEAST Iron Maiden 
DEFENDERS OF THE FAITH Judas Priest 

Bueno, lo único que me gustaría agregar son las redes sociales de la banda para quien quiera contactarse y mantenerse informado de las novedades de Mad Dog Facebook oficial https://www.facebook.com/MadDog.Argentina/ 

De este link se puede bajar el EP de 3 temas que grabamos http://www.mediafire.com/file/wh2gbn471ds5m7k/Mad+Dog+-+EP+%282016%29.rar 


jueves, 13 de septiembre de 2018

DEVASTATION "Signs Of Life" (1989)



Hace ya muchos años hice la review del último disco de este quinteto de Texas. "Idolatry" no dejaba cabeza con títere pero de colgado que soy pensé que había escrito sobre este, su antecesor que... es otro triturador de cráneos. Ya con esa tapa bien thrashera el que avisa no traiciona y si bien Devastation está profundamente influenciada por la escuela de Dark Angel, Kreator (Viejo) hasta Sepultura (Beneath...), logran sonar un tanto propios en parte por la voz de Rodney Dunsmore que se trata de colar por los miles de riffs atonales que disparan Henry Elizondo/Dave Burk. Estos dos violeros por momento tensionan los climas a un nivel inesperado como en "Manic Depressive" (Deicide... tomaste prestado de acá para "Oblivious To Evil?"), "Desolation" o bien "Retribution". La producción es buena, suficiente para que cada instrumento se entienda sonando contundente. De más está decir de que van a la yugular, Louie Carrisalez con su batería es un artillero que alterna modo Hoglan con modo Cavalera. Si sos fan de las bandas mencionadas con esto vas a tirar manteca al techo, tracks que no rebasan los cinco minutos, violencia sónica y todo lo que el thrash metal más crudo debe tener.... más una catarata de riffs como ya dije. Todo en poco más de treinta y cinco minutos: "Una lección de violencia".

Calificación: 8/10

sábado, 8 de septiembre de 2018

GHOST "Prequelle" (2018)



Ghost ha sabido establecerse dentro de la escena musical tras ese ya lejano debut "Opus Eponymous" que captó la atención de muchísimos oyentes. Giraron tanto por su cuenta como junto a bandas de primera línea, mostrando su espectáculo escénico/artístico por todo el mundo. Recibieron elogios de diversos músicos, algunos más renombrados como James Hetfield y otros más under como Fenriz de Darkthrone. Su ultimo lanzamiento "Meliora" dejó la vara muy alta con su catarata de excelentes temas plagados de coros gancheros y una producción notoriamente mejorada. Pararon un poco y nos enteramos que el cerebro de la banda se llama Tobias Forge, que los músicos anteriores se fueron, demandas judiciales pero Tobías  rearmó la banda, métale más giras (Disco "en vivo" en el medio del que ya hablaré) y al fin el sucesor que aquí tengo Alemán en mis manos. Debo confesar que de entrada no me convenció - el anterior me había gustado más - pero se trata de un disco que si bien tiene esa formula tan sueca del gancho de coros bien parido por los ABBA tiene momentos "instrumentales" que no aportan mucho y rellenan tal caso de la intro ("Ashes" o más tarde "Helvetesfonder"), pero curiosamente el mejor tema a mi gusto es otro instrumental ("Miasma" en donde se emplean a fondo y hasta se escucha un saxo por allí). El resto de los temas suenan excelentemente producidos - acaso como nunca - y cada vez con el norte más en el pop que en el hard rock (No veo METAL en Ghost yo). El disco levanta en su Lado B con la seguidilla "Dance Macabre", "Pro Memoria" (De gran estribo) que superan a los correctos "Rats" y "Faith" del Lado A. No llega al nivel obtenido en "Meliora" pero "Prequelle" es otro acierto en la carrera de Ghost aunque los altibajos están, el peso de los temas y su adictiva estructura de coros inclinan la balanza a favor. Tómelo o déjelo: esto es Ghost. La grieta se va a profundizar. 

Calificación: 8/10

viernes, 24 de agosto de 2018

BOKRUG "Pantheon Of Abominations" (2018)




Sexto CD de esta bestia insaciable de... ¿Epa?. Pero esto que está sonando es... ¡Muy bueno y distinto a lo que se hacía antes!. No te dejes engañar por la intro y la posterior furia total de "Gods Fighting Each Other": todo lo les precede es cien por cien Bokrug pero experimentando exitosamente con tonalidades, machaques, medios tiempos y otros recursos. No hay tema que no tenga algo de interesante. Alejandro Nawel apostó por no atacar a la yugular esta vez y darle una vuelta de tuerca a su criatura. El resultado son dieciséis temas -  contando los instrumentales/climas como el tema título y "Apijia" - en donde los puntos altos sobran. Algo de Obituary sin ser un afano en "Burial Mounds", la voz dentro del estilo más entendible en los temas titulados en español caso de "La Esclava De Ybyr" en donde se alterna brutalidad veloz, rebaje y vuelta a los palazos, mini pasajes como los primeros segundos de "The Beasts Of Kuulbaj" con la guitarra tirando un riff con aire jazzero. "Mesmeric Experiments" es mi favorito del CD con crudeza, atonalidad llevada a media marcha tortuosa y toques lisérgicos por aquí y allá. Puedo seguir hablando tema por tema, realmente me parece un disco excelente, pero si te gusta el Brutal Death Metal en plan de busqueda de algo distinto comprate esto con los ojos cerrados. Se cierra este excelente trabajo con una rendición a Master con su versión de "Mangled Dehumanization". Gratísima sorpresa y en lo personal disco del año a nivel nacional en cuanto a metal extremo se refiere.

Calificación: 9/10

martes, 21 de agosto de 2018

DESTRUCTION "Live Without Sense" (1989)




Los discos en vivo hoy en día son una especie en extinción pero en otra época eran una referencia de como sonaba una banda en escenario si bien es sabido de que la mayoría de estos trabajos sufren un manoseo posterior con retoques y demás chiches. El 1° de Enero de 1989 Schmier y su cuarteto sacan este álbum que captura sus mejores temas durante distintos shows de la gira de "Release From Agony". El principal mérito es la elección de los temas, no se dejan de lado algunos del último trabajo ni los "clásicos". El otro es el sonido logrado que es claro y áspero, y transmite mucha tensión al oyente. Cada instrumento se escucha pero es la batería de Harry (Quién subió a bordo en el disco anterior) la mayoritariamente responsable del rítmo frenético y macizo del thrash metal agresivo, tosco pero técnico que practica Destruction. La edición que poseo tiene un agregado de dos temas que la original no tiene. Sólo para fans o un buen comienzo para un niño que quiera saber lo que era Destruction por aquellos años.

Calificación: 8/10

viernes, 15 de junio de 2018

AUTOPSY “Acts Of The Unspeakable” (1992)




Tercer disco del cuarteto californiano, Autopsy es un grupo que ha sabido influenciar profundamente a muchísimas bandas de death metal (Ejem, muchas suecas… ¡cof cof!) con su mezcla cruda de doom y voces desgarradas munidas de temáticas muy sádicas/bizarras. “Severed Survival” y “Mental Funeral” son dos indiscutibles clásicos del death metal under. Peaceville (Su sello) les da la opción de lanzar este tercer trabajo, el cual se graba en Junio de 1992 y lo producen ellos mismos. A ver… a primera escucha se advierte de que no está a la altura de sus antecesores pero lejos está de ser un mal disco. Hay variaciones significativas empezando por los temas - Que son dieciocho – en cuanto a su duración a la cabeza. La gran mayoría no supera los dos minutos y medio con lo cual hay una cierta influencia “grind” sin serlo acaso exclusivamente por la “brevedad” de los tracks y por que saben retener su sonido característico lleno de marchas dooms tortuosas y de pantano si bien tienen sus momentos rápidos dotados de cierta “desprolijidad” adrede. No puedo mencionar un tema en especial ya que no tengo un preferido y no tienen el gancho que sí poseían algunos de los grabados en el pasado. Es un trabajo de treinta y cinco minutos que no entra a primera oída, pero es viciosamente pesado, con la voz del baterista Chris Reifert muy resaltada en la mezcla y retocada con algún efecto que la hace tener más reverb. Las violas de Eric Cutler y Danny Corrales suenan más zumbonas que antaño y algo más atrás en el sonido final pero nada que afecte significativamente el álbum: Josh Barohn… toca el bajo (¿?). Todos los temas tienen una composición con un enfoque más caótico/aleatorio/cacofónico, y de bonus tracks nos ofrecen el EP “Fiend For Blood” (Lanzado un poco antes que este larga duración), más diez temas en vivo donde se aprecia su violencia e intensidad en las tablas. Una tapa acojonante, pero de la trilogía de Autopsy tenemos al disco menos impactante pero no deja de ser una orgía de death metal vicioso, sucio, crudo y directo. 

Calificación: 7.5/10

miércoles, 13 de junio de 2018

LA NARANJA "Blanco Sobre Negro" (2013)




Tarde pero seguro, descubro a este quinteto tras verlos en un show conjunto con Viticus allá por Febrero de 2016 en el Teatro de Flores. Me volaron TANTO la cabeza con su show que a la semana adquirí todo su material original. Este grupo hace rato que está “Quemando Rutas” – más de veinticinco años - pero no parece ser detectado o estar en el radar del grueso mayoritario de público rockero lo cual es una gran injusticia. Profundamente influidos por AC/DC y Riff (Sin renegar en absoluto de ello) tenemos aquí su último disco editado hasta la fecha. Con un excelente audio y grabado entre Febrero/Abril 2012 “Blanco Sobre Negro” muestra a una banda que no se aleja de sus mentores pero refina ciertos temas compositivamente metiendo su impronta (Que LA tienen). Hay AC/DC del que nos gusta a todos en “Vuelve Otra Vez” o en el tema título, bastante de Riff en “El 22” y el resto son temas sumamente vibrantes/rítmicos con mucho gancho como el caso de “Rock N’ Roll Swinger” (Mi favorito), “La Balanza De Los Ciclos”, y en otros momentos bajan el tempo para tornarse más rítmicos como en “Transformándome”. El disco es muy dinámico y la intensidad no decae, tributan a la memoria de Pappo (RIP) con el tema “A Un Millón De Años” y encontramos un estribillo muy adictivo en “Ahora lo ves, ahora no”. Respecto a los músicos Gaby es un cantante que recuerda a Bon Scott (Y un GRAN frontman en vivo)  enunciando formidablemente las letras de cada tema. Suco es el Malcolm Young de la banda (Todo dicho) y banca con total experiencia la rítmica de la música con sus riffs y la base rítmica compuesta por Polo (Bajo) y Mariano (Batería) tiene una solidez total, lo que hace que los temas suenen tremendamente ajustados. Si sos amante del rock y los escuchaste de nombre corré ya a escucharlos. Que no te pase lo que me pasó a mí. Nunca es tarde... 

 Calificación: 8.5/10

lunes, 11 de junio de 2018

BLUE MURDER "Blue Murder" (1989)





En los ochentas hubo un furor de “supergrupos” comandados por guitarristas que se habían lucido en bandas de renombre. Tal fue el caso de John Sykes, quién grabó todas las partes del mega exitoso “1987” de Whitesnake y la regrabación de “Slide It In”. Luego de partir de la banda se edita ese álbum y él comienza a pergeñar su nuevo grupo. Pasaron varios músicos a zapar junto a él entre ellos Ray Gillen (RIP) en voz pero la formación se consolida con dos veteranos: Carmine Appice en batería (De tremendo currículum) y Tony Franklin en bajo (Ex The Firm, Jimmy Page, entre otros). Graban junto a Bob Rock de productor y con un tecladista invitado - Nik Green, no acreditado como miembro estable - logrando un hard rock que recuerda bastante al Whitesnake del mencionado álbum pero más intenso y dotado de más pesadez con variantes hacia otros estilos que en ciertos momentos se vinculan a las influencias de los músicos que han participado en el proyecto. Se nota que las composiciones fueron pensadas originariamente para la voz de Ray Gillen (Quién declinó de participar y dejó la banda) y Sykes mismo es quién al final asume las responsabilidades vocales saliendo muy airoso en su performance. En cuanto a los temas, son dinámicos y fluídos en plan hard rock inglés pero no exento de algún guiño al americano que "reinaba" en esos años caso de “Sex Child”, un punto mediocre, pero todos los demás vibran al compás de la inquieta viola de Sykes apuntalado tremendamente por la titánica sección rítmica que lo secunda como ocurre en “Riot” (Que tiene un aire al KISS ochentero en su coro). El punto más alto de la placa lo vemos en la enorme “Valley Of The Kings” (Curiosamente coescrita por Tony Martin, el ex vocalista de Black Sabbath) y el clima logrado arrima la misma al de discos como “The Eternal Idol” con marchas densas rematadas - a partir de 06:00 - con unos coros tremendamente épicos y que estremecen. “Jelly Roll” es una oda simpática sureña con acústicas y el tema título es otro momento muy logrado en donde especialmente Appice hace despliegue de su demoledora pegada tras los parches. El fantasma de su ex banda lo persigue a John (¿A propósito?. Creo que sí) en temas como “Out Of Love” en plan balada o en “Black-Hearted Woman”. Otros momentos destacables son “Billy” en donde Sykes vocalmente se arrima a Phil Lynott (A quién le dedica el disco en el booklet) o el epicismo de casi siete minutos que se esgrime en “Ptolemy” con barnices del Rainbow de “Rising” cruzado con – nuevamente – cosas del Black Sabbath de los ochentas. Nueve temas en cincuenta y dos minutos, “Blue Murder” es un disco consistente que no fue recibido muy bien por la crítica mayoritariamente ya que había saturación de este formato de bandas pero en lo personal considero que John Sykes ha sido un músico bastante subvalorado (Si bien el tenía sus arranques de ego, otro clissé de algunos guitarristas de esa camada). Sin él Coverdale no hubiera logrado conquistar Estados Unidos en 1987 y aquí muestra que es un gran compositor de hard rock y aún un mejor guitarrista. 

Calificación: 8.5/10

miércoles, 30 de mayo de 2018

CROSSFIRE “See You In Hell”/”Second Attack” (1983, 1985)




Un quinteto belga muy emparentado con la NWOBHM, Judas Priest y hasta elementos de AC/DC o Krokus que nos ofrece en esta edición un “2 en 1” sus primeros discos de estudio cortesía del sello Mausoleum. El primero fue grabado en 1983 y muestra resultados interesantes. Prevalece el metal interpretado no muy prolijamente pero con convicción y bastante aceleración sin llegar a ser speed metal caso de “Magnificent Night” y el tema título mismo. En otros temas se aproximan a un AC/DC metalizado, con el gancho de “Lover’s Game” y el resto sigue los parámetros de las bandas arriba mencionadas. “Killing A Cop” muestra que la banda de Rob Halford es una influencia muy evidente en ellos, misma suerte corre “Danger On Earth” y cosas del Accept de los primeros ochenta se escuchan en “Fly High”. La placa mantiene el interés del oyente por sus buenas composiciones y la interesante voz de Peter de Wint que parece un primo de Marc Storace (Krokus). Para “Second Attack” (Es decir, el disco sucesor que viene “empalmado” en el CD) ya es alcahueta la producción. Uno escucha el primer tema y es cruda, lineal y con abuso de agudos especialmente en la batería. No sólo esto juega en contra sino que es evidente que no va a estar a la altura de “See You In Hell”. Todo es menos inspirado y más NWOBHM genérico. Salvan las papas del fuego “Highway Driver” con su interesante riff de arranque y adrenalina, y “Master Of Evil” que es otra buena lectura de Judas Priest. Los guitarristas Marc Van Caeleberge y Rudy Van De Synpe conforman un tándem aceptable que no descolla en ambos trabajos siendo el punto alto de la banda el vocalista mencionado anteriormente. Bien vale la pena escuchar este CD por “See You In Hell” que tiene algo que al oyente de heavy metal tradicional lo va a atrapar. Lástima que retrocedieron un poco en su segundo ataque. 

Calificaciones:

See You In Hell: 8/10
Second Attack: 6/10

martes, 29 de mayo de 2018

AC/DC "Highway To Hell" (1979)




El quinteto australiano venía en franco ascenso tanto en estudio como en vivo de la mano de discos imprescindibles como “Let There Be Rock” y “Powerage”. Suben otro peldaño más con el descomunal registro en vivo “If You Want Blood (You´ve Got It)” y llega la hora de encarar un nuevo trabajo. Deciden prescindir de sus históricos productores Harry Vanda y George Young apostando por Robert John “Mutt” Lange (Que luego se volvería un solicitadísimo profesional). En “Highway To Hell” se dieron una conjunción de factores que desembocaron en un disco formidable que se posiciona entre los mejores álbumes de su trayectoria, a saber: el mencionado productor tuvo el tino de refinar el sonido sin dejar de lado el ADN de la banda y motivar a Bon Scott (RIP) a animarse con probar un canto más melódico sin perder su característica voz aguardentosa. Las guitarras de Malcolm Young (RIP) y su hermano Angus suenan menos sucias y con más matices de cuerdas comandando diez himnos inoxidables que no dan respiro. El tema título con ese gran riff que pasará a la historia del rock como uno de los mejores en haber sido parido más otros momentos de adrenalina en “Walk Over You” y “Beating Around The Bush” (Más crudo y rockero) o “If You Want Blood (You’Ve Got It)" que tiene una dinámica más divertida sustentada por las seis cuerdas de los hermanos Young. Hay momentos en donde el rock pasa a tener otro matiz como en “Touch Too Much” en donde uno observa texturas interesantes coronadas por muy buenos coros ofreciendo un tema bastante diferente para la tradición del grupo. Se cierra esta obra maestra con “Night Prowler”, muy barnizada de tintes más oscuros e introspectivos, a un tempo lento y con coros que nuevamente fortalecen la canción. Debo confesar que es un disco que con los años fui apreciando más ya que estaba muy obnubilado por otros trabajos de ellos. Hoy en día está casi en lo más alto del podio y se trata del último disco grabado por Bon Scott, que por desgracia fallecería en Febrero de 1980. ¿“Autopista al infierno” fue una premonición irónica sin querer en su título?. Las campanas doblan por Bon Scott como más tarde diría Baron Rojo y en donde sea: en el infierno o no. No podés perderte este CD si te iniciás al mundo de AC/DC. Cátedra de rock para las generaciones venideras. 

Calificación: 9.5/10

lunes, 28 de mayo de 2018

JUDAS PRIEST "Firepower" (2018)




Tanto se ha esperado el disco de esta leyenda viva del heavy metal y créanme que valió la pena. Este quinteto - que ha ayudado a forjar lo que hoy conocemos como sonido metálico - nos ofrece en este disco póstumo uno de sus picos más altos de los últimos años y acaso un trabajo que le pelea de cerca a sus trabajos más emblemáticos. Se nota que los músicos se tomaron su tiempo para armar y estructurar las composiciones y el resultado es a todas luces descollante. Catorce temas sin un miserable relleno, “Firepower” es Judas Priest. Todo lo que se espera de ellos acá lo tenés, como en “Never The Heroes” o “Children Of The Sun” en donde están esos estribillos solemnes y sentidos que tanto han sabido forjar en sus mejores épocas. Rob Halford está en un nivel superlativo y lo demuestra en el INMENSO “Rising From Ruins” con toda la composición bañada de epicismo más otro estribillo memorable. Glenn Tipton y Ritchie Faulkner se sacan chispas durante “Lightning Strikes” mientras Scott Travis en los parches marca el galope del tema. Otros momentos remiten al Judas de los noventa caso de “Necromancer” y hay por sobre todo una banda totalmente focalizada, compenetrada y plagada de temas con excelentes composiciones. Cerrar este disco con “Sea Of Red” es otro gran acierto con su tufillo a “Beyond The Realms Of Death” y sus acústicas al inicio. Se trata de un tema con aires muy relajados en donde Halford vuelve a brillar. La producción estuvo a cargo de Andy Sneap y Tom Allom, lo cual se puede apreciar en el tratamiento de los tracks ya que se nota los estilos de cada uno. Pienso en tantas bandas que se han retirado y no recuerdo una que lo haya hecho en tan alto nivel. Te vamos a extrañar Judas Priest, no obstante, “Firepower” no se mancha.

Calificación: 9/10

lunes, 30 de abril de 2018

SCHIZOPHRENIA "The Unknown Legacy" (2018)



Celebro esto de relanzar en soporte físico a bandas que tuvieron su momento en los noventas o aún antes. Daniel Mansilla de Disembodied Records logró con este lanzamiento documentar a este trío de Death/Thrash Metal formado a inicios de los noventas en Berazategui que dió su consentimiento para que esto se hiciera realidad. Tuvieron cierta difusión en el under y llegaron a telonear a los mismos Sepultura en su primera visita a Argentina durante septiembre de 1990 en la Federación de Box. Gracias al apoyo de Federico Spratt (Dueño de la disquería Excalibur, si siguen el blog saben que es uno de mis lugares formacionales) graban un primer trabajo que se edita en cassette titulado "The Future We'll Be Living... Autodestruction". El mismo fue grabado y mezclado en enero de 1991 en los estudios Moby Dick. Sus cuatro temas tienen precisamente mucha influencia del Sepultura de "Schizophrenia" y "Beneath The Remains" y los músicos muestran destreza ayudados por un sonido  discreto que fue remasterizado de las cintas originales. Siguen con dos temas grabados en Silversound Producciones unos meses antes (11/09/1990) nunca  publicados aunque sí difundidos en programas radiales. De hecho yo los descubro gracias a la Heavy Rock&Pop cuando pasaron uno de estos dos temas y acaso su momento más veloz e intenso ("Toxic Of Death"). Se cierra este compilado/homenaje con cuatro temas en vivo en "La Cooperativa" - sin retoques según el librito - en donde Eduardo Robledo (Guitarra/Voz) riffea a lo Andreas Kisser y usa una voz más en plan primer Kreator cruzado con Destruction y la base rítmica compuesta por Sergio "Cacho" Nacach en bajo más Ernesto "Blacky" Vargas se bancan la velocidad que generan ellos mismos en buena parte de los temas aunque hay pasajes con rebajes y tempos no tan a las chapas. Llegaron a tocar en Montevideo en 1992 junto a Graf Spee e Inner Sanctum y también en ese año telonearon a Obituary en su primer paso por nuestras tierras el 16 y 18 de Octubre en el extinto club Halley. Tras más shows en Buenos Aires iban a grabar su disco debut a editarse por el sello brasileño El Dorado con el padrinazgo de Joao Gordo (RDP) y Max Cavalera (Fans de la banda) pero se separaron. Era necesario una edición de este tipo en donde uno rememora todo esto en el booklet (Nota: La información volcada aquí lógicamente proviene del mismo) que también tiene su parte en inglés. Eran otras épocas y no precisamente del revival thrash. Excelente para tu colección si te gustan estos ítems.

Calificación: 8/10

domingo, 29 de abril de 2018

MELIAH RAGE "The Deep And Dreamless Sleep" (2006)



(NOTA: Originalmente escrita por mí para la revista "Epopeya" en Junio de 2007. No la voy a modificar ni una coma, sólo advertí que no estaba incluída en el blog. Si advierten otro estilo al característico mío, es que el Jefe de Redacción sugería ciertos cambios de estilo sin modificar la esencia)

Tras un auspicioso retorno con "Barely Human", el legendario quinteto de Boston vuelve al llano presentando cambios en su alineación: se va el baterista Barry Spielberg (Ex-Wargasm) y retorna a la banda Stuart Dowie (miembro original de la misma), quedando como integrantes de la agrupación cuatro de los cinco músicos que grabaron el disco debut "Kill To Survive" allá por el año 1988. "The Deep And Dreamless Sleep" es un trabajo sumamente genuino, tradicional y lleno de momentos con aciertos compositivos e instrumentales. La banda sigue equilibrando el thrash metal más añejo (El Metallica de los ochentas es una influencia notable) con otros elementos de bandas más tradicionales del género como Iron Maiden, Saxon y Riot, logrando como producto final un disco más oscuro e introspectivo sin sacrificar contundencia en su estilo. No obstante ello, los riffs característicos de la banda siguen estando presentes con su distintiva dosis de armonía. Abundan los climas nostálgicos y serios en algunos temas, ("Permanently Damaged" y el propio "The Deep And Dreamless Sleep", con un arranque que recuerda al tema "Black Sabbath"), y en su desarrollo brillan los riffs armónicos y coros solemnes. En "God And Man" hay cierto parentesco con Alice In Chains por el enfoque de los coros (Semi-depresivos y graves), el medio tiempo que se sostiene en todo el track remarca aún más estas características. Pero también encontramos altas dosis de machaque en "Undefeated" (que incluye unas guitarras muy épicas) o mismo en la vibrante "Twisted Wreck". El vocalista Paul Souza es sólido y aguerrido, y le imprime mucha energía a cada tema. Las guitarras de Anthony Nichols y Jim Koury deslumbran con sus riffs batalladores que cuidan las melodías contenidas en ellos. La sección rítmica conformada por el baterista Stuart Dowie y Jesse Johnson se luce por su solidez y contundencia. Otros puntos altos son el muy enérgico y virulento "Curse", la melancolía mechada de oscuridad en "The Last Of The Wanted", y la emoción a flor de piel en "Take What You Want" con sus riffs machacones secundados de coros armónicos. Meliah Rage insiste en perserverar con un estilo que si bien actualmente no es el más popular, aún tiene muchos adeptos por todo el globo. Pasan los años y ellos siguen "matando para sobrevivir"

Calificación: "Benedictus" (Sería un 7.5 o un 8/10)

IMMOLATION en MVSEO ROCK (Viernes 27 de Abril de 2018)


Esto jamás lo esperé en mi vida y gracias a un puñado de promotores/fans se ha hecho realidad. Immolation acaso es mi banda favorita de death metal y los vengo siguiendo desde 1996 cuando compré "Here In After" en Excalibur. Veintidós años después se embarcan en una mini gira sudamericana que viene a hacer justicia para todos los que los queríamos verlos en vivo. Ya siendo medio veterano (tengo cuarenta y seis años de edad) no me entusiasmo como antes con shows en vivo pero esto... era algo muy especial. Mensajes en la semana con conocidos, etc..., cebado y llegó al fin el viernes - humedísimo y pesado climáticamente, bien Immolation - al llegar ya habían tocado Necrocadaveric Vomit e Inflection pero por suerte pude ver a Prion que es a mi gusto la mejor banda de death metal argentino. En un set breve y con excelente sonido descollaron con temas que irán al nuevo disco (Que promete) y otros habituales en su repertorio. Walter Barrionuevo (Bajo y en esta ocasión co-organizador del evento), Gregorio Kochian (Guitarra/Voz) y Flavio Coscarella (Batería) tienen experiencia de sobra y se mostraron completamente consolidados y ajustados. Se retiraron con un aplauso digno de los que dieron todo en las tablas. Minutos antes de las veintidós el cuarteto de Yonkers (Estado de Nueva York) tomó por asalto a Mvseo Rock y ya con el primer minuto de "The Distorting Light" me sentía como viendo el segundo gol de Maradona a los Ingleses en 1986 (Que tuve la suerte de verlo a mis catorce años). Empalman con "When The Jackals Come" (Ambas de su excelente último disco "Atonement") y ya sabía de que no iban a fallar en el resto de la noche con tamaño arranque rozando lo brillante y avasallador. Un sonido perfecto en donde se podía apreciar a cada instrumento pero esto hay que decirlo: Immolation tiene a dos músicos veteranos miembros de esa primera camada de death metal costa este que esa noche se agigantaron: Robert Vigna en guitarra transformado en una usina imparable de tirar riffs haciendo mímicas de "samurai" sin respiro con su B.C. Rich y arengando a la gente junto a su socio de siempre, el bajista/vocalista Ross Dolan poseedor de una garganta cavernosa como pocas hay en el estilo, que en esa noche fue demasiado para todos nosotros... ¿Cómo CARAJO hace para sacar esa voz tan GUTURAL y enunciar las letras a la perfección?. Y les estoy estoy hablando de dos tipos que cuando no tocan son laburantes como casi todos nosotros (Lo digo por que hay gente que todavía cree en los rockstars en estos estilos... en fin...), y personas realmente muy humildes (Nota: Entre 1998 y 2002 solía tener intercambios de mails con Vigna el cual me contaba esto de trabajar mucho aparte de dedicarse a Immolation por ende puedo dar fe de la predisposición hacia sus fans ya hace más de quince años) y esta gira para ellos es una suerte de "vacaciones laborales". El miércoles tocaron en Lima, el jueves en Santiago de Chile, el sábado en Recife y terminan hoy domingo en San Pablo si la memoria no me falla. Ross y Bob esa humildad la llevan hasta en el vestuario: camisas de manga corta negras sobrias y que la música hable por ellos... y te destroce cada hueso de tu cuerpo... 


Ross Dolan (Foto: Martín Gasa)



Robert Vigna (Foto: Martín Gasa)

El público - Mayoritariamente "veteranos" como yo - se empezaba a prender fuego y Dolan sin explicaciones de más o palabreríos al pedo agradecía presentando aún más temas. Vino el primer bombazo proveniente de "Close To A World Below" de la mano de "Father You're Not A Father" - un tema y letra con un significado especial para mí - en una versión PERFECTA. Todo seguía en ese modo con la banda seteada en formato trituradora de cráneos entendible (No bola de ruido, no es Immolation eso) en donde el segundo guitarrista Alex Bouks fue lo único medio raro, limitándose a tocar su viola sin casi mirar a la gente o moverse y a un volumen un poco más bajo que Vigna. El listado de temas fue muy piola repasando muchos discos con lo cual la vara seguía muy a alta desgranando "Swarm Of Terror" y "Majesty And Decay". Los clásicos son eso y apareció súbitamente "Once Ordained" (De "Failures For Gods") generando un pogo impulsivo adelante de todo. Dolan seguía comunicandose con los fans agradeciendo la paciencia por todos estos años (En un momento ironizó de que "iban a volver en el 2038" para los que entienden inglés para luego corregirse y decir que querían volver lo antes posible) y se veían caras de felicidad en muchos asistentes que supongo estuvieron esperando el mismo tiempo que yo. 


IMMOLATION y Liniers viniéndose abajo (Foto: Martín Gasa)

Tres bombazos más con "Thrown To The Fire", "Kingdom Of Conspiracy" y "Destructive Currents". Note que Immolation en vez de cansarse eran cuatro pitbulls que iban a por más y a comernos crudos. No mencioné a Steve Shallaty en batería que está con ellos hace muchos años y demolió parches ahí atrás de todo donde no te puede ver nadie. Ross nos anuncia un tema del primer disco: explota en nuestras jetas "Into Everlasting Fire" de su debut "Dawn Of Possession" en una versión furiosa, acelerada y bien atonal con el bajista que parecía un dictador growleando las letras mientras sacudía esa melena tremenda que posee y que momento fue ese final tan GENIAL en donde rebajan con ese riff cuasi tanguero. La gente ya coreaba con más intensidad el nombre de la banda y tras "Den Of Thieves" de su EP "Hope And Horror" llegó la primera piña para el KO que ya se venía venir, el tema homónimo y según Ross "El primero que compusimos en nuestra historia". Y de nuevo me embargó la emoción al sentir todo ese sonido old school de los 80s cuando ejecutaron una versión PERFECTA de "Immolation". 


Robert Vigna totalmente prendido fuego (Foto: Martín Gasa)


Se retiran un rato y no soy digno, esto es jugar con mis emociones: cerraron con "Close To A World Below", un track GENIAL de casi ocho minutos que se pasea desde partes lentas a tortuosas a las chapas y con muchas variantes. Los tipos estaban PRENDIDOS FUEGO y ya era el remate de una noche perfecta. En lo personal escuchar la parte final del tema con ese riff que tira Vigna con una melodía especial me volvió a tocar en lo emotivo ya que se trata de mi tema preferido de ellos. Ya mis expectativas habían sido altas pero fueron COMPLETAMENTE superadas. En una hora he visto el mejor show de death metal que haya presenciado en Buenos Aires, con Dolan saludando y los cuatro yéndose sin estridencias o foto grupal con el público atrás luego una hora de show. Ganó el death metal, la música y estos cuatro veteranos que se ganaron el prestigio en el género por estas cosas. Suelo quedarme un rato más para ver si los músicos acceden a firmas y fotos pero estaba tan eufórico y aturdido que opté por algo inusual: quedarme con el recuerdo de esa faena perfecta casi sin pausas, de la cual los que estuvimos dificilmente la olvidemos en nuestras vidas. Eran menos de las 23:30 y corrí a tomarme el "2" en Avenida Rivadavia para volverme a casa. No me pude dormir hasta las cuatro de la mañana pensando en todo lo que presencié esa noche en Mvseo Rock...

GRACIAS a Walter Barrionuevo, Ramón Farías, Gabriel Parra Yañez, Sebadeth (Maiden) - vocalista de Necrocadaveric Vomit -, Jubito (Bajista de Inflection), Ezequiel y Gaby, SIETE que ARRIESGARON a traerlos demostrando una total pasión por esta música. Pensar que algunos pocos piensan que este tipo de género es lucrativo. Y gracias a toda la gente que me acompañó esa noche, conocidos y fans que estaban MUY emocionados. Gracias porque de esto no me olvido nunca más y me lo llevo a la tumba. Filmé un par de videos que podrán encontrar en YouTube, esto había que documentarlo sí o sí. El mejor show de Death Metal que presencié en mi vida. Punto y aparte.

Calificación: 10/10

jueves, 26 de abril de 2018

RAGE REVIEWS VIDEO


Decidí crear un canal de YouTube. Principalmente voy a incluir biografías y cosas que no cuadran en el blog. Y experimentar con la plataforma ya que es más interactiva. Están todos invitados. Hay un video de bienvenida en donde hago un breve resumen de mi historia con la música y los objetivos del canal.

RAGE REVIEWS VIDEO en YouTube


miércoles, 25 de abril de 2018

BARON ROJO "Barón Rojo, La Película" (2012)


Pese a la cantidad de reconocimientos para acaso la mejor banda que surgió de la península ibérica, tenemos aquí un film por momentos interesante, de a ratos revelador y por otros... se nota algo. Como todos saben hace muchos años que José Luis "Sherpa" Campuzano (Bajo, Voz) y Hermes Calabria (Batería) no están más en la banda y esto obedece a que tras su época más dorada se vieron las grandes diferencias con los hermanos Armando y Carlos De Castro (Guitarristas). El manager de la banda decide archivar al "nuevo Baron Rojo" y se reunen los cuatro. Esto queda plasmado en esta película, se mezclan emociones y momentos muy actuados, guionados y pautados. ¿Sorprendido Carlos De Castro por la reunión mientras va celular en mano a una casa de música?. ¿Sherpa y Hermes hablando de sus dudas en la casa del bajista mientras beben vino acompañado de aceitunas?. "Barón Rojo, La Película" es interesante de ver pero la imagen final es triste dado a que pese a las lúcidas declaraciones de los cuatro músicos en cuanto a sus inquietudes y hobbies personales se nota a la legua de que los juntaron para un eventual regreso pomposo que fracasó. Las cámaras no pueden disimular que hasta en los ensayos hay dos bandos. Idem en los camarines... ¡Y hasta en los viajes de gira!. Es decir volvieron al estado en que estaban cuando se separaron y se percibe la tensión entre los hermanos y los otros dos músicos. Pero musicalmente la banda muestra todo su profesionalismo aggiornado por el paso de los años, mostrándose contundentes y afilados (En especial los guitarristas). Aparecen los familiares de casi todos los integrantes con muy buenos testimonios pero todo concluye con un último show en el que según "Sherpa" ni hubo una cenita de despedida y fueron fletados para que el Barón nuevo prosiguiera. Esa frustración es captada por la cámara y Hermes también acusa recibo de haber sido usados para una causa. Se trata de un trabajo que es hiper interesante de ver en especial para ver como resurge esta cuestión de los dos bandos y muchas apreciaciones lúcidas de "Sherpa" en cuanto a la música en general. También se repasa muy bien los años mozos del grupo cuando se codeaban con Bruce Dickinson, Michael Schenker, y hasta aparece una foto del cuarteto con Diego Maradona (Supongo cuando este jugaba en el Barcelona). Los dos músicos del bando "perdedor" retoman un formato acústico en donde tocan temas de su banda. Los hermanos retoman con los dos sesionistas de cabotaje que tienen desde hace años que ni remotamente llenan los zapatos de sus antecesores. Todos salen perdiendo y acaso tuvo que haber sido una reunión que no se llevara a cabo o que se hubiera producido como mínimo cinco años antes. Interesados en ver el film, lo tienen en YouTube y saquen sus conclusiones.

Calificación: 8.5/10 

lunes, 23 de abril de 2018

KISS "Animalize" (1984)


En 1983 el cuarteto neoyorkino pegó un timonazo: se sacó el emblemático maquillaje y grabaron un disco bastante pesado junto a un guitarrista muy vertiginoso. Para su predecesor echan al guitarrista (Vinnie Vincent) y contratan a Mark Norton (Mark St. John, RIP). "Animalize" se compone de nueve temas en menos de cuarenta minutos. Pero como siempre Paul Stanley y Gene Simmons (Este último con la cabeza muy puesta en papeles actorales por aquellos años) se rodearon de músicos invitados (... Un tal Bruce Kulick que mete guitarras en dos temas y Jean Beauvoir en algunos bajos), co-compositores y diversas ensaladas rusas. Eso no repercute en la calidad aquí: hard rock a la KISS, con los coros de tribuna (En "Heaven's On Fire", "Thrills In The Night" dos rockazos 100% Kisseros y con esteroides), mucha vivacidad y adrenalina en "I´ve Had Enough (Into The Fire), "Get All You Can´t Take" o "Under The Gun". El problema radica en el desbalance ya que los demás temas sin ser malos huelen a relleno caso de "Burn Bitch Burn", "While The City Sleeps" o "Murder In High-Heels". Años después Paul declararía que se sentía muy sólo en la grabación dado a que el bajista tenía otras prioridades como la mencionada y el tuvo que intervenir en muchos arreglos y hasta la producción del disco aunque figure co-producido con Gene. Eric Carr (RIP) en batería de nuevo vuelve a demostrar ser un músico potente, dinámico y que dota a los temas de un punch que no tenían con Peter Criss. La figura es Paul Stanley que aquí tiene un nivel vocal espectacular y empieza a alcanzar una madurez con la garganta envidiable. "Animalize" gana al final por la calidad de los buenos temas que tiene pero dejaba en evidencia lo que en la jerga se llamaría rellenar un poco. Empezaba oficialmente el KISS más ochentoso.

Calificación: 7/10

miércoles, 18 de abril de 2018

MOTÖRHEAD "1916" (1991)


Comienza la década del noventa y Lemmy (RIP) debe de grabar su primer disco en años. Los últimos no habían sido tan impactantes como lo que venía haciendo de antaño (Caso de "Rock N´Roll" sobre todo). A la postre decide dejar su Inglaterra natal y se muda a la ciudad de Los Angeles. Sony Music le ofrece un contrato de grabación y tras algunos desvaríos con productores que intervinieron en el (Hay temas producidos por Ed Stasium con el que hubo mayor conflicto y otros por Peter Solley), "1916" se planta como uno de los discos más "variados" de Motörhead. Se trata de un disco menos "lineal" dentro del rock n´roll violento y visceral que siempre han tocado y trae muchos temas con aires más descontracturados sin dejar el ADN del sonido originario. Diez temas sin ningún relleno en treinta y nueve minutos, es muy emotivo el tema título que cierra la placa con esa cadencia triste y una letra impecable. El resto es muy vital: "Going To Brazil", "Angel City" (Mi favorita), la semi balada "Love Me Forever" y momentos más aguerridos como el tributo a "Ramones" en el mencionado tema, "I'm So Bad (Baby I Don´t Care)" o "Shut You Down". Puede que a los acérrimos de los primeros trabajos esto no les agrade pero no hay dudas de que estamos escuchando a Motörhead expandiendo un poco el territorio hacia cosas más distendidas con basamento en el rock and roll y el blues añadiendo hasta pianos en la citada "Angel City". No veo ninguna americanización en el sonido tampoco. Y veo una arte de tapa espectacular. Excelente comienzo de década y uno de mis álbumes preferidos de Motörhead.

Calificación: 8.5/10

martes, 17 de abril de 2018

TWISTED SISTER "Club Daze Volume I The Studio Sessions" (1999)


Twisted Sister ha tenido una de las carreras más curiosas dentro de lo que es una banda rockera. A saber, tuvieron un ascenso hiperlento y trabajoso plagado de obstáculos pero a la vez recompensas. Como ser una banda de clubes en Nueva York/Connecticut/Nueva Jersey que tocaba hasta 2-3 shows por DÍA y en ocasiones hasta para 4000-5000 personas. Luego tienen su cuarto de hora con el multiplatino "Stay Hungry" allá por 1984, MTV, y luego por malas decisiones no pueden sostener ese grado de "éxito" concluyendo en una separación abrupta. Producida esta los fans no dejaron morir el nombre de Twisted Sister y se editaron grandes éxitos, un disco en vivo que tienen en este blog ("Live At Hammersmith") y varios años después Jay Jay French/Mark Mendoza sacan del arcón estos trabajos que datan de la época en la que se les negaban los contratos para un primer disco (No se pierdan en Netflix la película "We Are Twisted F**king Sister"), tenemos aquí los primeros esfuerzos grabados totalmente autoproducidos por ellos (Ya que los sellos los "ninguneaban"). Los primeros ocho tracks fueron grabados en Mayo de 1978 en cuatro canales y tienen ese encanto de banda cruda, de club y muy influída por AC/DC, Black Sabbath, y hasta algo de Led Zeppelin. Aún no estaban Mark Mendoza y A. J. Pero sino Kenneth Neill en bajo y Tony Petri en batería respectivamente. El que se luce es el de las cuatro cuerdas, un músico menos lineal que su predecesor y que supo estar muchos años pero abandonó al grupo por problemas vinculados al alcohol. El tándem de violas Jay Jay French/Eddie Ojeda nunca fue virtuoso pero tocan lo que los temas precisan, siendo Dee Snider con su timbre vocal el que le da el plus a Twisted Sister. Algo de Black Sabbath en "Come Back", palos a la música disco en "Rock ´N Roll Saviours" y Jay Jay cantando medio flojo en "TV Wife" y "Can't Stand Still". La segunda parte (Temas nueve al trece) ya con Mendoza como bajista impacta menos pese a estar producida por un tal... ¡Eddie Kramer! y grabado en los Electric Lady Studios (Pedazo de historia) en Noviembre de 1979, tenemos aquí temas que mayoritariamente aparecerían en discos posteriores, el himno real de ellos ("Under The Blade") y la primera versión del cover que los terminó de sepultar en "Come Out And Play" (De hecho Jay Jay en el booklet lo dice), "Leader Of The Pack". Todas las versiones suenan más flojas que las grabadas años después. Compré este CD en el mismo año de su lanzamiento y esta información en aquel entonces era muy valiosa ya que no existía Google, ahora "Club Daze...") es un mero ítem de coleccionistas pero fue realmente valioso para los que eramos fans en esos años. Twisted Sister fue un caso único de banda en Estados Unidos en los años setenta y es bueno testimoniar con este CD esos días de aventuras de club.

Calificación: 7/10

jueves, 12 de abril de 2018

SEPULTURA "Morbid Visions" (1986)


Allá en una ciudad llamada Belo Horizonte (Brasil) cuatro adolescentes se preparaban para revolucionar al mundo sin saberlo. Ya este país venía mostrando algunas bandas de metal que se volcaban a lo más extremo (¿La primera no fue Dorsal Atlantica?). Pero Sepultura fue la más emblemática y conocida: el resto ya es historia y acá esta comienza. Tras un hiper primitivo EP titulado "Bestial Devastation" (Que se incluye como bonus track) en poco menos de una semana graban este primer LP con poco dinero, equipamiento y un estudio de juguete, las condiciones son una continuación de lo esbozado en el EP o sea, casi cero presupuesto y recursos. Era lo que había. Pero este trabajo tiene una "mística". No busques virtuosismos, arreglos o magias compositivas. Ni afinaban las guitarras, el productor no tenía la más puta idea de lo que era trabajar con una banda así y el resultado es un grupo joven, inexperto que larga todos los temas bien en plan villa con influencias de Slayer (MUCHO) y Venom/Celtic Frost. Guitarras bajas, zumbonas y una batería por encima que va bastante rápido para esos años, el único tema que sobresale de los demás (Que son como una constante) es "Troops Of Doom". Esta última afirmación no es una crítica en absoluto sino contar la historia de como empezaron el camino a ser la banda con mayor repercusión en toda América del Sur. Letras con errores en inglés, tapa rústica, minimalismo, podemos hablar de que es otro álbum que al poco tiempo impacto en ciertas bandas under europeas y norteamericanas. La historia comenzaba a escribirse.

Calificación: 7/10

martes, 10 de abril de 2018

SARCOFAGO "I.N.R.I." (1987)


Allá por el año 1991 me inicio al metal extremo de Brasil con otra banda que empieza con S y termina con epultura (?) pero a esta agrupación accedo unos años después y estamos hablando acaso de una de las bandas más influyentes de TODO el metal extremo mundial, todo gracias a dos demos grabados previamente más este debut. Con muchas limitaciones técnicas tal como padecían las bandas brasileñas de este estilo pero portadores de una mística y un sonido casi propio muy logrado, Sarcofago en ocho temas durante menos de treinta minutos es un Hellhammer/Venom en plan enfermo. No sé si thrash o death me chupa un huevo: Todos los temas son violentos, blasfemos y escupen maldad, ni uno falla en su cometido. Es verdad que la batería de D. D. Crazy está por encima de los demás instrumentos pero lo que hace el tipo es como tocar rápido pero aleatoriamente de a ratos con muchos cortes seguidos de aceleraciones que hacen todo lo demás más tenso aún. Si tengo que optar por temas entre todo esta furia, elijo el tema título, "Satanas" y "Christ's Death", este último totalmente macabro, acelerado y en su final se agrega una suerte de marcha funebre riffeada por Butcher, con la curiosidad de otro riff que parece afanado a D.R.I. allá por 01:25. La voz de Antichrist (Wagner) más que recordar a Cronos lo hace a los viejos Mille/Schmier/Angelripper cruzado con el vocalista de Venom mismo. La influencia de este disco en la escena europea es TREMENDA (Ni hablar en el black metal que se estaba gestando por allí) pero también alcanzó a los Estados Unidos a sus exponentes más under y extremos. La edición que poseo de Cogumelo Records - un relanzamiento del año 2002 - incluye el demo "The Black Vomit" (1986) y unos bonus tracks en vivo ("The Black Vomit" y "Satanas"). Si pensás que "Reign In Blood" era lo más violento de esos años corré ya a escuchar esta carnicería de death/thrash/lo que sea metal blasfemo y sin concesiones.

Calificación: 8/10

sábado, 7 de abril de 2018

LIVER KILLER "Words Of Wisdom" (2017)


Primer lanzamiento de este trío de thrash/crossover oriundos de Barcelona. Ya la tapa avisa todo, me refiero a que las letras hablan de alcohol, fiestas, tomarse todo, vomitar y temáticas ya explotadas por bandas como Tankard y Municipal Waste. Pero la música está muy buena, ajustados con tracks agresivos pero a la vez balanceados entre la adrenalina y diversión sin abusar de la distorsión de las guitarras (Un GRAN mérito de este álbum). Se pueden ver influencias de Anthrax/Acid Reign/el primer Nuclear Assault y las arriba mencionadas. Hay un tema que me gusta más que el resto que es "Time To Drink". La voz de Xavier "Voll" Domingo (Bajo, voz) parece una cruzada entre Belladonna y Gaz (Acid Reign) y el trío (Que se completa con Aleix Besoli en guitarra y Elies Torruella en batería) suena realmente enérgico y compacto. Temas cortos, trece en casi treinta y un minutos, entiendo que la joda pasa por toda la oda al alcohol y la fiesta pero en el thrash ya esa temática está demasiado explotada y aburre en vez de divertir. Para el que le guste este rollo adelante y quién gusta más de la música como yo no va a quedar nada defraudado con esta faena thrashera.

Calificación: 7/10

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lunes, 2 de abril de 2018

PESTILENCE "Consuming Impulse" (1989)




Justo ayer que tocó Pestilence junto a Sinister aquí en Buenos Aires veo en el stand de venta de CDs del show esto que ven. Una reedición de Hammerheart Records del año pasado que además de tener un CD extra con dos shows en vivo (Bochum 1988 y Veghel 1989) hace justicia a lo que pasó con el arte de tapa original (Ver segunda foto). A casi la hora de lanzar el álbum Roadrunner lo consideró ofensivo y lo reemplaza por el de más arriba (Ver primera foto) sin consultar en absoluto a la banda. Pero lo que importa acá es la música y en "Consuming Impulse" el cuarteto se tira "de palomita" al death metal tradicional dejando las geniales thrasheadas a lo Possessed/Dark Angel de su inmenso debut "Malleus Maleficarum". ¿Es malo esto?. Para nada ya que Pestilence hace death metal de calidad y se mete en el género de lleno con el pie derecho. Siempre consideré a este trabajo - que en realidad lo escuché hace más de veinte años - como un punto de equilibrio entre Death (La banda) y el génesis de lo que sería el death metal sueco de las bandas más pantanosas como Grave. Producido por el prócer Harris Johns los cuatro músicos se desenvuelven con total soltura y violencia, pero las guitarras de Patrick Mameli y Patrick Uterwijk son la lanza de ataque con sus riffs graves, rasposos y corrosivos. Martin Van Drunen (Bajo, voz) nuevamente logra una voz que es como un Chuck Schuldiner (RIP) enfermo y retorcido que no para un puto segundo. Todo el trabajo azota duro y parejo de la mano de sobre todo "Dehydrated" y la seguidilla "Out Of The Body", "Echoes Of Death" (Mi favorita) y "Deify The Master". Si nunca escuchaste la banda este es el disco sin dudas más deathmetalero de su carrera. Pese a la censura de Roadrunner la tapa de la cara consumida por las hormigas me encanta y hasta tengo la remera. Pestilence se hacía de un lugar en la escena e iba a por más.

Calificación: 8/10

sábado, 31 de marzo de 2018

PRONG "Cleansing" (1994)



Antes que nada seguí la carrera de la banda de Tommy Victor más que nada por recomendaciones de muchas personas. Ya hablaré del "Beg To Differ", el cual fue mi cassette grabado de inicio ante tanta insistencia de mi disquero de cabecera. Dos discos después Epic Records los ficha en una década en donde no sólo el grunge metió la cola sino que había mucha competencia entre bandas metálicas post-Metallica y las de los "noventas" (Pantera, Fight, Sepultura, Machine Head, Helmet). Prong pasó de hacer una suerte de hardcore a coquetear el thrash con toques industriales. Es en este "Cleansing" en donde Tommy Victor arremete una y otra vez con riffs: monótonos, entrecortados, secos que atacan secundados por la base de Ted Parsons (Batero) y el ex-Killing Joke Paul Raven (RIP) en bajo. Se adicionó además al tecladista John Bechdel. Entre los cuatro arranca el trabajo con el triturador "Another Wordly Device" (Esos riffs de Victor...) y la empalman con la danzarina pero demoledora "Whose Fist Is This Anyway?". Todo parece un camino a la gloria más si el tema que viene es riffero, con gancho y efectos industriales ("Snap Your Fingers, Snap Your Neck"). Viene "Cut-Rate" y de nuevo el guitarrista en modo desintegrador con su arsenal de riffs, en especial ese monótono/destrozante que cierra la última parte del track. Pues metieron toda la carne en el asador de entrada y "Broken Peace", "One Outnumbered" no llegan al nivel anterior. El resto de los seis temas entran en una suerte de preponderancia en recrear climas/atmósfera en pos de relegar el vértigo ("No Question"), algo de introversión, más groove en "Out Of This Misery" o experimentación caso de "Not Of This Earth" y "Home Rule". "Sublime" vuelve a intentar recuperar esos riffs de la primera parte, pero me da la impresión de ser "Cleansing" un caso ejemplar de disco en donde los temas están mal distribuidos o quisieron provocar ese cambio de enfoque que es hiper perceptible. Producido por el requeridísimo Terry Date, no fue debidamente reconocido (Estigma de Prong de por vida) y ellos relegados a banda de culto que influyeron a muchísimos de su misma camada y posteriores. Pero bien vale la pena escuchar este CD por esos inolvidables violazos de todo calibre que atacan en toda la primera parte.

Calificación: 7.5/10